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ALICIA HERMIDA. MAESTRA DE ACTORES

octubre 31st, 2010 by Javi Pérez

“Los actores formamos parte de la cultura y necesitamos hacer más libres al público”

El origen de esta entrevista comenzó un gélido día de diciembre de 2008. Preparaba el inicio del rodaje de la serie de TVEUnidad Central Operativa”. Durante esos días mis escasos accesos al plató tenían la única voluntad de tomar café caliente. En uno de esos recesos observé el desarrollo de los ensayos y tras los actores, la cristalina mirada de una frágil mujer que permanecía inerte tras sus movimientos. Sentada obedientemente con el guión en su regazo, atenazado con cuido y responsabilidad, como si de un retoño se tratara. Era Alicia Hermida, maestra de actores. La jornada de ensayos acabó y el equipo de producción se había quedado sin coches para llevarla a casa. Yo me ofrecí gustosamente a hacerlo, ya que ambos éramos vecinos. Alicia Hermida se montó en mi coche y enseguida lo llenó de energía y conversación, en un viaje de aprendizaje que todavía dura. De este modo, y a lo largo de los siete meses que duró el rodaje, compartimos inagotables y profundos temas. Casi dos años más tarde y tras su éxito como Sophia en “Las chicas de Oro”, Alicia Hermida me vuelve a ofrecer su diálogo, esta vez para diseccionar los quehaceres de su oficio y su visión de la interpretación.

Por Javi Pérez

Alicia HermidaCon “La Barraca”, tu compañía teatral, has representado y has enseñado interpretación en muchos lugares del mundo. ¿Cómo fueron sus inicios?

El proyecto surgió a finales de 1979  como asociación cultural llamada “Casa de la cultura de la comarca de Aranjuez”. Algunos de los que abanderamos el proyecto vivíamos allí y pensamos que  éste era un buen lugar, porque no había apenas infraestructura cultural en comparación con Madrid. El teatro fue una disciplina más entre otras (pintura, música o danza), desarrollada más como medio de expresión que como escuela de actores. Decidimos no pedir dinero al Ayuntamiento a cambio de que nos cedieran un local vacío. La asociación tuvo mucha resonancia porque hacíamos actividades muy llamativas hasta el punto de que el Ayuntamiento de Aranjuez nos empezó a ofrecer dinero a cambio de proyectos que nosotros rechazamos. El Ayuntamiento decidió crear otra Casa de la cultura en el mismo local y tras meses de presiones para desalojar acabamos haciéndolo.

¿Fue entonces cuando decidisteis hacer teatro itinerante?

Teníamos ya una compañía de teatro y danza fruto de la asociación y la relanzamos en torno al año 1981. Mantuvimos sólo la clase de teatro y artesanía, y nos topamos con una realidad: fuera de Madrid existían muchos grupos profesionales a los que les faltaban formación, así que decidimos hacer la escuela itinerante. Allí adónde íbamos a actuar dábamos formación a otras compañías. Esto se prolongó durante muchos años y muchos países (Bélgica, Japón, Nicaragua), e incluso dimos clase en algunas cárceles. En 1998 nos asentamos en Madrid con un local estable, quedándonos Jaime Losada, Ana Ramos y yo al frente de la nueva escuela.

¿Y cómo comenzaste a trabajar como coach?

Creo que la palabra coach no corresponde con lo que yo hago, sino decir que me encargo de la actuación. Comencé porque Pilar Miró me llamó para ayudarle con el verso de los actores de “El Perro del hortelano”. Esa fue la primera vez. Me dediqué antes y durante el rodaje. Primero estuvimos cinco intensas semanas trabajando el texto. Después trabajé con Pilar López de Ayala en “Juana la Loca”, y también en “El capitán Alatriste” con todo el elenco, aunque no lo hiciera yo directamente, sino mi compañera Ana Ramos, ya que yo estaba ocupada con “Cuéntame cómo pasó”.

¿Hay diferencias entre trabajar la actuación para cine o televisión?

Por supuesto que hay diferencias. En cine se puede ensayar antes de rodar y hay tiempo para inventar. En televisión el tiempo es diferente, es mucho menor. Tienes que valorar de lo que dispones, por lo que es más efectivo quitar lo que sobra que intentar mejorar aspectos de la interpretación. En “Cuéntame cómo pasó” sólo repasábamos el texto con todos los actores en la mesa italiana, definiendo el tono y los puntos fuertes de la secuencia.

Hay directores que no son partidarios de trabajar la actuación con otra persona ¿Cómo es tu relación con ellos?

Hay  que adaptarse a trabajar con el director. Siempre él tiene la última palabra porque es su responsabilidad. Yo creo que siempre me comunico bien con todo tipo de directores. No impongo mi criterio, pero cuando hay cosas que se pueden mejorar intento conseguirlas, siempre desde la premisa de quitar antes poner.

¿Y cómo sabes percibir lo que le sobra a un actor cuando interpreta?

El mejor ejemplo para explicar esto es imaginar a un felino en el momento antes de cazar.  La energía que proyecta hasta que decide dar el salto se percibe, aunque no haga apenas movimientos. El felino va a cazar pero no “demuestra” que va a cazar. Esto es, hace lo mínimo con la máxima proyección. Esto se puede aplicar al actor en el momento de actuar. Todo lo que no es esencial a un actor hay que pulirlo y descartarlo. Esto es la sobreactuación, lo que no es necesario para un actor.

¿Crees que es más fácil caer en la sobreactuación  en cine o en televisión, que en teatro?

Por supuesto que en el teatro también hay sobreactuación. Si un actor exagera o sobreactúa siempre queda mal, esté donde esté. Aunque hay diferencias según en el tipo de teatro que se represente: no es lo mismo trabajar en un clásico con dos mil espectadores que en una obra contemporánea en una sala pequeña.

¿Crees que todos los actores están capacitados para la enseñanza del arte dramático?

Yo creo que la capacidad de transmitir no la tienen todos. Y pienso que es más una inquietud que poseen algunos actores que una capacidad. El gran Vittorio Gassman pensaba que era obligación de todos los actores transmitir lo que habían aprendido a lo largo de su carrera. Nuestra compañía estuvo en la escuela de teatro y cine de Bucarest y allí los mejores del país eran profesores, e incluso asesores de jóvenes actores durante el principio de sus carreras. En España no era habitual porque aquí no se valoraba este trabajo. Se pensaba que alguien que se dedicaba a dar clase era porque no tenía trabajo como actor. El Actor´s Studio tuvo mucha influencia sobre esto, porque al acabarse las compañías de repertorio los actores no tenían la suficiente preparación para hacer obras clásicas adaptadas al cine y fue entonces cuando los actores comenzaron a recibir este entrenamiento.

Últimamente abundan seminarios o cursos de interpretación dirigidos en exclusiva a la interpretación frente a la cámara. Sé que no estás muy a favor de este tipo de formación. ¿Cuál es la razón?

No es que esté en contra de estos cursos específicos, pero sí creo que el trabajo del actor es más amplio y debe servir para cualquier medio de expresión. Cuando haces entrenamiento para actores algunos te piden que se trabaje pensando en la cámara y no lo veo necesario. Para mí es el mismo trabajo, se haga donde se haga. En el teatro también hay variaciones en función de la obra, el género o la capacidad de la sala.

Siempre he pensado que tu trabajo necesita una sensorialidad especial  que no todo el mundo posee. Eres una analizadora de estados del alma y emociones que no son tales, porque son interpretadas. ¿Crees que tiene algo de relación con la Psicología?

Yo no quiero mezclar la psicología con la interpretación, pero sí que hay conexiones.  Todos los actores son diferentes y no se puede utilizar un método estándar para evaluarlos. Lo que sirve a unos no vale para otros.

Hay actores que sólo actúan para sí mismos, sin tener en cuenta al público o a los compañeros. ¿Crees que este asunto va ligado más a la inseguridad o a la presunción?

A veces es inseguridad, pero los actores necesitan siempre reafirmarse en sí mismos. El ego a veces ayuda, pero cuando vaya en función de la finalidad de pensar en los otros. Vivimos en una sociedad en la que apenas cuentan los demás y eso ocurre también en la interpretación.

Te escuchado decir que el miedo y la inseguridad en un actor son necesarios. ¿Por qué un actor necesita sentirse inseguro para trabajar?

Tener la valentía de admitir que tu trabajo como actor no es del todo bueno siempre es positivo. Un actor debe saber reconocer que en una interpretación ha fallado cuando se ve desde fuera.  Hasta el actor más seguro en apariencia siempre piensa que lo podría haber hecho mejor. Todos tenemos ese punto en que siempre nos quedamos insatisfechos.

¿Qué opinas de los actores que interpretan también en su vida cotidiana? ¿Es esto la vanidad de un actor?

Esto es una deformación profesional que va ligado más a la inseguridad que a la vanidad. El actor necesita reafirmar su ego y sobreactúa hasta en la vida cotidiana. Curiosamente los mejores actores que he conocido en España nunca han hecho esto.

Muchos actores echan de menos del cine con respecto al teatro la relación directa con el público.

El teatro sin público no se concibe. También en el cine y en la televisión trabajas para el público, pero la diferencia es que no está presente. Su presencia fortalece bastante, aunque a veces puede deformar; por ejemplo, si el público se ríe el actor fuerza más para provocar más risa y entonces se puede pasar. Cada día es diferente porque cada día todo somos diferentes.

El río fluye entonces y nunca es el mismo río…

Sí, el río fluye. Cada día tienes una energía y emociones diferentes. Una obra de teatro tampoco es nada si la energía entre los demás actores no fluye. El actor corre entonces el peligro de trabajar para sí mismo.

¿Y cuál es el equivalente del público en cine o en televisión?

Ahí  no existe la repuesta, pero a veces se consigue que el equipo técnico escuche de otra manera. No sólo por el silencio y el respeto necesarios, sino porque fluye una energía especial que se comunica y entonces el equipo se convierte en ese espectador ausente. Cuando esa corriente mágica fluye es maravilloso.

Curiosamente Fernando Fernán Gómez prefería trabajar en cine y en televisión porque decía que no le gustaba que le miraran cuando estaba trabajando.

A Fernando Fernán Gómez le gustaba mucho el teatro, pero nunca le trató bien. Siempre se jugó su dinero y muchas lo perdió. Que Fernando no haya hecho Valle Inclán o Shakespeare o estuviera al frente de un centro dramático es algo muy grande que se ha perdido el teatro español.  Fernando y Adolfo Marsillach pensaban que el verso es igual que la prosa. Querían decir con esto que la técnica es importante, pero es menor, porque se puede aprender; lo importante son otros factores cómo el sentimiento, la energía, la proyección… El verso tiene que ser como la prosa porque debe estar lleno de vida, de verdad y de organicidad.

La historia del arte ha demostrado continuas conexiones entre la locura y la capacidad creativa. ¿Crees que en la actuación se pueden construir personajes desde la enajenación?

Siempre ha habido en la historia del arte grandes artistas que perdieron la razón, sobre todo en la literatura. Creo que en el terreno de la actuación esto es un hándicap. Un actor tiene que tener una percepción absoluta de la realidad. No perder nunca la perspectiva de la vida cotidiana porque si se está siempre al borde se está en el peligro de caer en la locura y en la marginación, como le ocurrió a Antonin Artaud (dramaturgo y actor padre del surrealismo francés). Viajó a Mexico y experimentó con el peyote hasta que pasó años encerrado en un psiquiátrico. El actor debe mantenerse en esa fase del peligro y del riesgo, pero nunca pasar al otro lado.

Esto que dices me recuerda a Stendhal, que decía  que el amor es una bellísima flor, pero que hay que tener el coraje de ir a recogerla al borde de un precipicio. ¿Es necesaria esta tensión para conseguir una buena interpretación?

Por supuesto que sí. El teatro se enseña a los niños como si fuera un juego, pero en última instancia saben que están jugando. Todos nos identificamos con nosotros mismos cuando interpretamos. Los personajes se deben construir de dentro para fuera. Todo lo tenemos dentro: el odio, el amor, el miedo, los celos, sólo hace falta dejarlo salir. Por ejemplo, un actor, por el hecho de ser humano, sabe lo que son los celos, pero no los siente como Otelo, que llega a matar a Desdémona. El actor debe entender que en un momento de enajenación él mismo pueda perder la razón al igual que Otelo.

La vocación de actuar es manifestada por muchos actores como una pulsión irrefrenable por estar encima de las tablas o frente a la cámara. ¿Crees que se puede ser actor sin  vocación?

Para todo en la vida se necesita vocación. Aquél que ama su trabajo siempre lo hará mejor. Creo que hay profesiones que siempre necesitan una vocación. Un médico, por ejemplo,  porque trabaja para los demás. Un actor también trabaja para los demás, y no debe perder ese punto de responsabilidad.

Richard Bolelavsky (actor, director de cine y profesor de teatro polaco) afirma rotundamente que la interpretación es un arte que depende en gran parte del talento. ¿Estás de acuerdo con esta reflexión?

Todas las personas tenemos condiciones para expresar a través del arte, aunque no siempre  se desarrollen. Todos, sin duda, podemos crear. Creo que los actores no debemos rebajar nuestro conocimiento y aspirar siempre a ser artistas, no meros oficiantes. Pero al igual que no se es inteligente para toda la vida, tampoco se puede ser artista toda la vida. Ni siquiera creo que el talento se conserve toda la vida.

En “El cine no son sólo películas”  he dedicado varios posts con consejos  para  actores que comienzan a trabajar. ¿Cuáles crees que son las claves para el éxito de un actor?

Para el éxito nunca daré consejos porque pocos están preparados. Es algo bastante perjudicial; hay profesionales que se paran con el éxito porque es imposible que reconozcan sus errores cuando lo alcanzan. A los jóvenes les diría que aprendan a vivir, a ser libres, a “ser ligeros de equipaje” antes de ser actores. Un actor tiene que aprender a ser uno mismo. Tiene que quitarse antes todo lo que le estorba, todo lo que le sobra. Cuando lo consiga podrá ser actor. Y esto se aprende observando y teniendo curiosidad por los demás. Un animal o un niño te pueden enseñar más sobre lo esencial que cualquier escuela de teatro.

Me resulta inevitable no preguntarte lo siguiente por considerarte una persona de izquierdas coherente. ¿Por qué tantos actores y artistas se posicionan ideológicamente a la izquierda aunque después no sean coherentes con la esencia de sus ideales?

Yo creo que lo que señalas tiene que ver mucho con la edad. A Picasso le preguntaban “¿Cómo pinta usted cómo un joven?” y él respondía “Me ha costado muchos años ser joven”. Se puede intentar ser coherente con tu forma la pensar, pero esto no dura toda la vida. Hay artistas muy comprometidos con la política o con el momento histórico que viven, pero hay otros a los que sólo les funciona su ego.

Pero es insalvable la asociación existente entre la ideología de izquierdas y el colectivo de artistas.

Eso es sólo un cliché muy recurrente. Creo que es más propio del momento histórico y de la sociedad en que vivimos. Todos nos hemos impregnado de la cultura del consumo y de la comodidad. Yo creo que hay una minoría que conserva actitudes más coherentes en este sentido, pero no sólo los artistas quieren ser burgueses de izquierdas.

No te voy a preguntar qué es lo mejor que te ha dado tu profesión porque nunca se terminaría esta entrevista. ¿Pero hay algo de lo que te arrepientas por haber elegido esta profesión?

(Silencio…) Creo que a veces, por el hecho de ser actriz, echo de menos no estar preocupada por los demás. Los actores estamos tan preocupados por nosotros mismos que nos olvidamos del resto. Pero no soy nada negativa pensando en lo que me he podido equivocar, ya que una vez tomadas las decisiones hay que aceptar los riesgos. No lamento en absoluto haberme dedicado a esta profesión porque es lo que quería hacer y así lo hice.

OTRAS ENTREVISTAS ALICIA HERMIDA

http://www.rtve.es/mediateca/videos/20081016/alicia-hermida-detras-camara/317985.shtml

http://www.elperiodicoextremadura.com/noticias/noticia.asp?pkid=315911

http://www.elperiodico.com/es/noticias/tele/20100927/alicia-hermida-inseguridad-losactores-positiva/500573.shtml

http://www.elpais.com/articulo/educacion/buenos/artistas/han/desatendido/ensenar/elpepusocedu/20070611elpepiedu_6/Tes

http://www.rtve.es/mediateca/audios/20101105/alicia-hermida-vivir-para-interpretar-bienvenidos-a-casa/923248.shtml

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EL MERITORIO DE DIRECCION

octubre 17th, 2010 by Javi Pérez

Cómo ser un buen meritorio de dirección

Ya escribimos hace unos meses los pasos necesarios para comenzar a trabajar en cualquier equipo técnico de cine. Os recuerdo que la organización de un rodaje responde a una estructura marcial  y en la base de esa pirámide residen los meritorios, que son las personas que trabajan en una producción para aprender alguno de los oficios involucrados en ella.

Desarrollaré en este post las tareas y algunos consejos para hacer un buen trabajo como meritorio del equipo de dirección.

El trabajo del meritorio de dirección. Deberes y consejos

La preparación

Un meritorio se incorpora directamente el primer día de rodaje o una semana antes. Hay excepciones en donde el meritorio de dirección se incorpora en la primera fase de la preproducción ayudando en el casting o en otras tareas. Este periodo os servirá para entablar contacto con vuestro equipo y conocer la antesala del rodaje.

La última semana de preparación es estresante porque se avecina el rodaje y siempre quedan capítulos por cerrar (casting, localizaciones, pruebas de cámara, maquillaje y vestuario). Es casi seguro que vuestro trabajo resida en la oficina, haciendo fotocopias, elaborando algunos documentos, separatas… Si es así aprovechad para leeros el guión y aprenderos la película y el plan de trabajo. Esto no es directamente de vuestra competencia, pero os ayudará para involucraros más e ir aprendiendo el trabajo del ayudante de dirección.

Quizás tengáis que estar presentes en los ensayos, pruebas de cámara o fotos previas. Si no habéis trabajado antes en un rodaje os sentiréis perdidos sobre quién es quién y su cometido. Sobre todo, sed prudentes a la hora establecer primeros contactos y en las primeras conversaciones, pues un comentario desafortunado os puede acarrear prejuicios insalvables.

El rodaje

Es seguro que hayáis entrado en la película porque tenéis carnet de conducir y os obliguen a recoger y a devolver a casa a algunos actores y/o al director, aunque la mayoría de estos desplazamientos corran por cuenta de producción.

A  priori, es un trabajo bastante servil, pero la oportunidad de compartir viaje de ida y vuelta con el director y actores puede reportaros experiencias muy positivas.

A continuación os enumero algunos consejos y situaciones que os pueden surgir en esta parte del trabajo:

  • La puntualidad es sagrada. Y puntualidad significa llegar media hora antes de la hora. Salid de casa con tiempo suficiente, preved atascos y estudiaros la ruta para ir de vuestra casa al lugar de la recogida, y después al lugar del rodaje. Si tenéis duda de cómo llegar preguntad el día antes al ayudante de producción y por favor, no perdáis el mapa ni la orden de trabajo. Sed conscientes de vuestra responsabilidad, ya que si el actor o el director no llegan al rodaje será tiempo perdido.
  • Se os darán situaciones como que no podréis estacionar debidamente, llaméis al telefonillo y nadie conteste o simplemente el número de la calle que os han dado no exista. Si esto ocurriera poneos inmediatamente en contacto con el 2º ayudante de dirección e informadle. Lo mismo si os metéis en un atasco, os perdéis o cualquier eventualidad que pueda ocasionar un retraso. Informad sin miedo al rodaje del tiempo que prevéis del retraso y explicad las verdaderas causas.
  • Muchas de las veces el retraso no será culpa vuestra, sino de la persona a la que vayáis a recoger. Sed prudentes y no hagáis alusión al retraso si os llaman por teléfono durante el viaje. A la llegada al rodaje informad de lo sucedido para que esto no vuelva a suceder.
  • Sed conscientes de que seréis la primera toma de contacto con el actor o actriz. Muchos de ellos estarán nerviosos o desconfiados, y aprovecharán el viaje para repasar el texto o relajarse. No cometáis el error de tratarles como si fueran ídolos, avasallándoles con preguntas sobre su vida y milagros a las primeras de cambio. No sois periodistas, por lo que esperad a cogeros la confianza que os brinden poco a poco.
  • Haced su viaje agradable, con detalles como preguntar si molesta la calefacción o el aire acondicionado, la música que suena o el humo de vuestro cigarrillo.
  • Ante todo sois conductores. Así que no  cometáis infracciones, usad el manos libres, conducid descansados… Para cualquier duda consultad el código de circulación.

Una vez que lleguéis al rodaje informad a vuestro equipo que el actor ha llegado. Enfundaros un walkie talkie y manteneos a las órdenes del ayudante de dirección y de todo lo que os pida el 2º ayudante de dirección o el auxiliar.

Dependiendo de la organización que establezca el primer ayudante seréis siempre un enlace y un apoyo, aunque en muchas situaciones vuestro trabajo será fundamental para sacar adelante un plano o una toma.

Otros miembros del equipo os pueden pedir ayuda para mover material o hacer cualquier otro recado. Mi consejo es que estáis en un rodaje para hacer méritos y cualquier predisposición será bienvenida, siempre y cuando tengáis claro que vuestra prioridad es la tarea encargada por vuestros jefes.

Al margen de esto, será frecuente que os quedéis apoyando al primero de dirección en el set o con el segundo ayudante controlando maquillaje, peluquería y vestuario.

El set de rodaje

Es el lugar donde se cuecen las habas, donde está la cámara, el decorado, el director y los actores. El ayudante de dirección necesitará la ayuda del auxiliar y vuestro apoyo para organizar todos y cada uno de los elementos que intervienen en el plano.

El ayudante de dirección os puede pedir cualquier cosa: colocaros de doble de luces, cuidar la puerta del decorado, dar segundas acciones o controlar ruidos que molesten a la toma de sonido. Si estáis en exteriores el rodaje se complica mucho más y tendréis que estar con cien ojos a las posibles eventualidades en coordinación con el equipo de dirección y producción.

A continuación os enumero los puntos más importantes a tener en cuenta en esta parte de vuestro trabajo.

  • Guardad siempre la compostura. Idealmente un set de rodaje debe ser un lugar donde prime la concentración y el silencio, pero no siempre es así. No os animéis con conversaciones vanas, a pesar de que todo el mundo lo haga, y ayudad al ayudante de dirección a mantener el ambiente de trabajo adecuado.
  • Estad atentos a vuestro walkie talkie, con el pinganillo en la oreja y el volumen adecuado. Contestad siempre que os llamen y hacedlo con palabras clave como “oído”, “afirmativo” o “negativo”. No os eternicéis en charlas prolongadas y si hubiera que hacerlo pasaos a otro canal diferente al de rodaje. No se os ocurra bromear o jugar con el walkie, a pesar de que os regalaran unos Fisher Price antes de saber que los reyes eran los padres. Se trata de una herramienta de trabajo y no un juguete.
  • Tened localizados paragüas para los actores, tanto por si comienza a llover como para protegerles del sol. También sillas, calefactores o todo cuanto pudieran necesitar. Mi opinión es que a los actores hay que serles serviciales y no serviles, pero en este capítulo hay mucha literatura y casi siempre tendréis que llevadles todo cuanto os pidan.
  • Si os ha tocado responsabilizaros de los walkies tenedlos siempre organizados y en buen estado. No esperéis a que os pidan uno y repartidlos a todos los miembros del equipo a primera hora del día con la batería cargada. Tened siempre baterías de reserva y portad con vosotros un par de ellas por si se os agotan. Numerad walkies y baterías y entregad siempre el mismo a cada miembro del equipo. Os recomiendo que hagáis un inventario al principio de rodaje y que todos los días comprobéis que no falta ninguno.
  • Cuando lleguéis a la localización, tanto sea exterior como interior, haced por vuestra cuenta un chequeo de los posibles ruidos o problemas que puedan impedir el rodaje. Id por delante y tomad la iniciativa en averiguar si hay teléfonos o alarmas que puedan sonar, obras cercanas, horario de salidas de un colegio o de quien son los coches que están aparcados en el tiro de cámara. Esto suele estar controlado previamente por el equipo de producción, pero desgraciadamente cuando se llega a rodar siempre surgen novedades que habrá que solucionar sobre la marcha, y para eso vuestra ayuda será fundamental.
  • Si tenéis que cortar tráfico de coches o de personas portad chalecos reflectantes, señales, vallas, cinta de baliza y todos los elementos que contribuyan a vuestra seguridad. Sed extremadamente educados con las personas a las que tenemos que interrumpir su marcha. Explicad qué es lo que sucede, por qué es necesaria su colaboración y que la productora cuenta con permiso legal. Pedid información al primer ayudante de cuando se puede abrir tráfico y nunca lo hagáis motu proprio, pues muchas veces los cortes se efectúan por seguridad.
  • Mantened siempre una actitud enérgica y anticipada. Aunque una jornada de rodaje sea agotadora no os sentéis o escaqueéis sin pedir permiso a vuestros jefes. La velocidad suele ser mala consejera, pero en vuestro trabajo forma parte de la efectividad. Si os piden algo volad para hacerlo y más si cabe si el rodaje está parado por vosotros.

  • El combo es  un monitor que graba la salida de video de la cámara y el sonido de la mesa. Suele ser de uso exclusivo del director, la script y el director de fotografía, aunque también es una herramienta de trabajo para todos los departamentos. Ésta es una de las mayores tentaciones de los meritorios: todos quieren estar mirando al combo porque quieren aprender cómo se hace una película. Es un craso error quedaros pegados a él como si fuera una televisión sin previo permiso y mucho menos si os tomáis la libertad de opinar sobre el plano o la toma.
  • Tened localizados siempre y en cada momento a los actores y actrices del día. Son los elementos más importantes y volátiles de un rodaje. Es vuestra responsabilidad saber si están en maquillaje, en el servicio, en su camerino o en el bar de enfrente para que cuando se les necesite se tarde el menor tiempo posible en llevarlos al set.

Maquillaje, peluquería y vestuario

Mientras el decorado se termina de montar y de iluminar, los departamentos de maquillaje, peluquería y vestuario preparan a los actores según van llegando al rodaje.

Al igual que el primer ayudante de dirección coordina y supervisa el set de rodaje el segundo ayudante de dirección tiene que hacer lo propio con la preparación de actores. Si hay pocos actores éste se basta, pero si se juntan muchos actores y figuración será necesario el apoyo de los auxiliares y de los meritorios para que este proceso sea lo más ágil y organizado posible.

Es un trabajo que a priori puede parecer sencillo, pero que necesita de mucha mano izquierda, temple y organización.

A continuación os enumero algunos puntos clave si trabajáis cerca de maquillaje, vestuario, camerinos y actores.

  • No metáis a ningún actor a maquillar ni a vestir sin antes tener el visto bueno del primer o del segundo ayudante de dirección. En ocasiones el rodaje lleva retraso y no es necesario comenzar los procesos a la hora en que marca la orden; en otras cabe la posibilidad de que el actor o actriz no pueda rodar, por lo que si no se le maquilla ni viste el coste para producción de su sesión podrá ser menor.
  • No deis por hecho que un actor está listo de personaje sólo porque os lo diga él o a simple vista lo parezca.  Consultad a maquillaje, peluquería y vestuario de que todos los actores están listos.
  • No permanezcáis dentro de maquillaje mientras se trabaja. Quedaos en la puerta y supervisad lo que ocurre desde fuera. Si el maquillaje está en una caravana sed cuidadosos al subir las escaleras o al llamar a la puerta. Toda la estructura de la caravana se puede mover y desquiciar a los que trabajan con el pincel a pulso.

  • Lo mismo con vestuario. Quedaos en la puerta y aseguraos de que esté  cerrada para preservar la intimidad. Muchos ayudantes de vestuario necesitan “vestir” al actor, por lo que es necesario que siempre haya alguien de vestuario durante este proceso, sobre todo con vestuarios especiales o con actores no habituales.
  • Estad al quite de lo que pudiera necesitar maquillaje o vestuario. A veces se va la luz de maquillaje o vestuario necesita agua para la plancha y no se puede continuar trabajando. Comunicad cualquier incidencia al departamento de producción o si está en vuestras manos solucionadlo lo antes posible, ya que cualquier tiempo perdido se arrastrará durante el resto del día.
  • Cuando el set esté listo el ayudante de dirección meterá prisa para que los actores estén terminados. Mi consejo es que no transmitáis esa urgencia de manera directa, y mucho menos con exhortaciones o malos modos. Simplemente informad de que en el set están listos o de que se necesita rodar porque la luz se va. Cada profesional es consciente de lo que es el tiempo en un rodaje y también es su trabajo cumplir los tiempos.
  • El ayudante de dirección os puede ir pidiendo información del tiempo que queda con el proceso de cada actor. Ese tiempo nos lo tiene que dar maquillaje, peluquería y vestuario preguntándoles directamente. No está demás saber, además del tiempo, qué parte le queda de su proceso. No es lo mismo un leve retoque de maquillaje, que terminar de colocar un postizo o hacer un moño. Es importantísimo que el ayudante de dirección esté informado de cuando los actores están listos de todos los procesos.

El meritorio de dirección. Aptitudes y actitudes

Las cosas han cambiado en los últimos años y la savia nueva de técnicos que han entrado en el Sector ha aliviado el trato marginal que sufrían los meritorios en muchas ocasiones. Aún así, todavía quedan vestigios de esa «escuela antigua» que faltaba el respeto y menospreciaba el trabajo de los meritorios.

Incluso hasta hace muy poco se les llamaba “mozos de los cafés” o “traidores”, porque servían para traer todo. Afortunadamente, con la aparición de los convenios colectivos del sector audiovisual su figura se ha regularizado.

Aún así, las faltas de respeto también se producen de abajo a arriba por la imprudencia que da la inexperiencia y la juventud. No hay que olvidar que un meritorio es un trabajador que recibe un salario y por ello tiene unas obligaciones y debe adoptar por ello una actitud respetuosa, prudente y acorde con la posición que ocupa.

A continuación os enumero algunos puntos en relación a estas cuestiones exclusivas para el meritorio de dirección.

  • El meritorio de dirección está en un rodaje para trabajar y para aprender. La única manera de hacerlo es la de pegar la oreja con discreción en todas las conversaciones y preguntar, preguntar y preguntar todo cuanto no se sepa. El haber estudiado en una Universidad o en una escuela de cine no os da derecho para hacer las cosas a vuestra manera. Trabajáis en un equipo con personas que asumen una responsabilidad por lo que debéis respetar y asumir todo cuanto os ordenen.
  • El departamento de dirección trabaja fundamentalmente con dos elementos delicados: información y personas. Por la parte que os toca con respecto a la información, no deberéis difundir información acerca del rodaje que no haya sido autorizada por el ayudante o 2º ayudante de dirección. La información es poder, y una información equivocada en un rodaje puede dar al traste con el trabajo de muchas personas.
  • Durante todo el rodaje estaréis en contacto con todos los miembros del equipo, actores y figurantes a los que deberéis ordenarles de continuo. Hacedlo con suma educación y buen grado. Es muy dado entre algunos equipos de dirección darse ínfulas de gobernantes. Huid de las formas dictatoriales para pedir y ordenar algo, pues nunca seréis más efectivos por ello.
  • Un rodaje es un enorme patio de vecinos. Debéis ser cautelosos en vuestros comentarios y mucho más al emitir juicios de valor sobre el trabajo de alguien del equipo. Evidentemente, gozáis de libertad de expresión, pero el sentido común os debe dictar sobre qué, cómo, cuándo y quién se puede hablar. Es muy sencillo meter la pata, sobre todo por el exceso de endogamia y amiguismo que reina en la profesión.
  • Un meritorio de dirección forma parte del equipo de dirección. Aunque no os paguen por asumir esas responsabilidades, debéis estudiar el guión, la orden, los desgloses, conocer los horarios, fechas y supervisar el trabajo de tu equipo desde la más absoluta humildad.
  • Un meritorio debe hacer méritos y demostrar que vale y que sabe trabajar en el departamento. Si lo que quieres es dirigir o trabajar en otro departamento es recomendable mantener la actitud e intentar aprovechar las oportunidades, contactos y experiencia.
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"En esta industria, todos sabemos que detrás de un buen guionista hay siempre una gran mujer, y que detrás de ésta está su esposa.".
Groucho Marx (1890-1977) Actor estadounidense